Crítica ‘La Cumbre Escarlata’: Elegancia inocua

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El síndrome de Tarantino, o dicho de otro modo, el gusto excesivo por sí mismo. De sobras es conocido el enorme talento de Guillermo Del Toro, por entre otras cosas, el fantástico diseño tanto artístico como visual del que hace gala en todas y cada una de sus películas. También es distintivo ese estilo a caballo entre lo fantástico y grotesco, un sello inconfundible, de autor y que lo destaca como uno de los directores con mayor personalidad dentro del gremio (ni que hablar entre los hablantes hispanos).

Su nuevo trabajo, ‘La Cumbre Escarlata’, no solo no olvida ninguna de dichas virtudes sino que las potencia hasta límites que solo el mexicano puede conseguir, y que la convierte en una protagonista más de este espectacular despliegue de talento, deslumbrante y artificial a partes iguales, en un intento de recuperar una narración y un tipo de historia que hace mucho que no se ve por el panorama cinematográfico actual. Sin embargo, toda esa espléndida recreación gótica-romántica (siempre y cuando hagamos caso omiso al horrible diseño de los fantasmas) no ha sido trasladada a un guion que no se encuentra nunca a la altura, ni de su director ni del resto de valores que posee la cinta.

A modo de cuento de casas encantadas y espectros varios, la narración clásica propuesta aquí nos lleva a través de una vacía, lujosa y elegante producción, donde la previsibilidad de una historia mil veces manida y muchísimo mejor contada, nos presenta a unos personajes esclavos de un libreto que maneja con una inesperada torpeza las figuras con las que juega. Porque a pesar de los esfuerzos del trío protagonista, siendo Jessica Chastain la única que consigue sobreponerse a la infructuosa palabrería , hay una clara falta de desarrollo y de bruscos cambios en las relaciones interpersonales, que se hacen notablemente marcadas cuando se encuentran con una trama a la que le sobran varias incoherencias.

Y no es que sea en sí mismo un problema (la mayoría de producciones actuales vienen bastante llenas de incoherencias), pero son tan grandes y hay tantos elementos que fallan respecto a todo aquello relacionado con el guion, que resulta difícil pasarlo por alto. Ello, no omite el moderado entretenimiento que ofrece, impulsado sobre todo por el ya mencionado diseño artístico y la buena dirección de Del Toro, que intenta con cierto éxito distraer a los ojos para desconectar el cerebro. Pena, por supuesto, que una película con todos estos valores falle justamente en lo que no puede fallar, en el guion, y más viniendo de un cineasta como el presente que apuesta la mayor parte de sus cartas a lo meramente visual.

‘La Cumbre Escarlata’ no es un fracaso absoluto, pero sí es una ligera decepción que no aprovecha la oportunidad para recuperar la magia de los cuentos clásicos de terror y devolverle el brillo de antaño. El mexicano se gusta y nos gusta, pero descuida aspectos que deberían ser el eje de la construcción y que se queda como el pilar más endeble de una mansión majestuosa, vacua e inconsistente. Esperemos que solo sea un bache en el camino, una desafortunada parada de fantasmas y promesas que no terminan de cumplirse. Unos pasos atrás para coger impulso.

Crítica ‘Astérix: La residencia de los dioses’: Divertida y fiel adaptación

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Nueve años han tenido que pasar para que volvamos a vivir una aventura de Astérix y Obélix, la pareja francesa más famosa del país. Con nada más y nada menos que 13 películas a sus espaldas, hemos tenido que esperar bastante tiempo para que volvamos a ver a estos dos entrañables personajes en el cine y lo más satisfactorio que podemos decir es que la espera ha merecido la pena. ‘Astérix: La residencia de los dioses’ es una más que notable diversión, un film que adapta de forma respetuosa el material original y capta la esencia, al fin, de estos veteranos guerreros.

La historia cuenta como el emperador Julio César, desesperado por no conseguir eliminar el pequeño reducto de galos que se aferra a su tierra, decide cambiar de estrategia y dejar a un lado la fuerza. Los romanos crean un edificio llamado “la Residencia de los Dioses” al lado de su aldea, y esta vez, en lugar de los soldados, Astérix y compañía tendrán que enfrentarse a la llamada del oro y la codicia.

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Al igual que todo personaje emblemático, este dúo ha tenido que enfrentarse a producciones de todo tipo: videojuegos, películas de animación, películas de carne y hueso… y todo con irregulares resultados, aunque por lo general cuando han sido trasladados a la alegría de los dibujos animados lo han hecho con productos correctos y satisfactorios. Entre ellos, los más aclamados fueron sin duda ‘Las doce pruebas’ y ‘Astérix y Cleopatra’, curiosamente los únicos trabajos que realizaron los propios creadores y que, por ende, fueron fieles a sus correspondientes fuentes. Por eso sorprende para bien que después de 48 años de la primera adaptación al cine, dos directores ajenos a la creación como Louis Clichy y Alexandre Astier muestren un respeto proverbial al cómic y que adapten uno de sus mejores números de manera tan eficaz, cálida y casi literal a la pantalla.

‘Astérix: La residencia de los dioses’ es una divertida aventura, una película familiar la mar de entretenida que posee todo lo que tiene que tener una producción de este tipo: una buena historia, personajes carismáticos y un buen estilo visual que entra por los ojos. No consigue resultados sobresalientes, pero todo reluce de una manera más que digna en esta realización francesa, consiguiendo un notable film que encantará a los fans. La historia se desarrolla de manera ágil y con los tempos necesarios, en un interesante relato donde asistimos con un regusto placentero a una proyección donde los más pequeños se lo pasaran en grande y los adultos se verán sorprendidos por la crítica social, política y económica que se realiza y se conjuga de manera perfecta con el desarrollo. Porque lo cierto es que la cinta no tiene ningún reparo en mostrar una representación de la hipocresía y la manipulación que impera en una sociedad movida por los medios y las altas esferas, que se consume por el poder del consumo y que su bendición va de la mano con la perdición. Es una visión crítica que ha sido traslada del cómic al celuloide, y que actualiza sus parámetros para ofrecernos incluso un ligero retrato de la actual situación en Europa y que casa perfectamente con las hazañas de nuestros protagonistas, sin resultar un análisis metido con calzador.

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Termina por ser una simbiosis tan bien conseguida que los pequeños disfrutarán todo como una parte más del conjunto, y se sumergirán en las andanzas de la historia, la cual tiene la suficiente energía y magia para que nos perdamos en su mundo. Y es que son varias sus virtudes, entre ellas, una animación 3D francamente lograda y que mantiene el tipo a pesar de no ser una gran producción y no contar con un gran presupuesto. Los realizadores consiguen impregnar la obra con un tono ligero y bonachón que le sienta bastante bien y cuenta con un buen ritmo y un correcto desarrollo de los personajes a lo largo del metraje, logrando que su hora y veinte minutos se pasen rápidamente. Hay buenos diálogos, algunos con bastante ironía, y sobre todo con un sentido del humor que funciona y no se hace pesado, dosificando bien el reparto de minutos entre los distintos personajes. La ligereza de la que hace gala la cinta provoca que tampoco se tome muy en serio a sí misma, algo que le beneficia enormemente y realza su aura de estilo bondadoso y amable. No es una adaptación que busque dejar huella, sino simplemente ser fiel a la materia prima y realizar un buen entretenimiento.

El doblaje que cuenta con las voces de Juan Rueda, Antonio Dominguez y Adolfo Pastor, entre varios más, está muy conseguido, dotando de vida a los personajes animados que inundan la pantalla; junto con una banda sonora que es eficaz y armoniosa, conjuntando perfectamente con las imágenes.

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Las sensaciones finales son las de que se ha hecho un buen trabajo. ‘Astérix: La residencia de los dioses’ es uno de los cómics mejor valorados entre los fans y su reproducción en el celuloide ha sido sorprendentemente satisfactoria, con una aventura agradable, ligera y divertida que respeta a los personajes y al relato. No es excelente, pero sí es una correcta propuesta para pasar el rato, que gustará a todo tipo de público y encandilará a los fans, además de albergar una delirante critica a la sociedad y al sistema actual.

Los 5 (+1) estrenos a tener en cuenta en lo que resta de 2015

Termina agosto y empieza septiembre. El verano llega a su fin y con ello la taquilla veraniega, pero el cine nunca para y todavía nos queda la recta final de 2015 para disfrutar de buenas propuestas y grandes taquillazos. Es por ello que aquí repasaremos aquellos estrenos que hacen que todavía nuestra mente no vuele hacia el 2016 y entre todos ellos, creo que a nadie se le escapa que la película más esperada es el séptimo episodio de cierta saga galáctica, pero en esta breve lista no la vas a encontrar, así como el final de los Juegos del Hambre o la nueva entrega de James Bond. En definitiva, ninguna secuela, remake o reinicio de alguna saga establecida.

¿El motivo? Simple y llanamente porque son lo suficientemente conocidas por el publico para que le hagamos un hueco, y aunque es verdad que varias de las que vas a encontrar no son para nada desconocidas (excepto alguna), la intención es fundamentalmente la de dejar a un lado los blockbusters y resaltar los productos más llamativos y, probablemente, de cierta fiabilidad en cuanto a su calidad, para que la tengas en cuenta en tu calendario. De esta manera, no encontrarás ni películas que muevan masas ni tampoco films que no tengan fechas establecidas en España, por lo que desgraciadamente tampoco verás lo nuevo de Iñárritu, ‘The Renevant’, ni lo nuevo de Tarantino, ‘The Hateful Eight’.

Así, y con estos términos aclarados, pasamos a descubrir los estrenos más apetitosos que restan del 2015 en orden de salida:

5. ‘Irrational Man’, de Woody Allen

Sinopsis: En un campus universitario, un profesor de filosofía en plena crisis existencial, le da un nuevo propósito a su vida cuando se relaciona sentimentalmente con una de sus alumnas.

No hay año sin Woody Allen. La cita obligada con el cineasta neoyorquino llega a nuestras salas en este mes de septiembre y esta vez lo hace con ‘Irrational Man’, un film que como no podía ser de otra manera veremos una historia marca de la casa y con el sello inconfundible de Woody Allen. Las críticas especializadas, al igual que en los últimos trabajos del director, se han mostrado divididas, pero de lo que no se puede dudar es de la calidad mínima que siempre nos entrega con cada uno de sus productos.

‘Irrational Man’ está protagonizada por Joaquin Phoenix y Emma Stone, con fecha de estreno en España el 25 de septiembre.

4. ‘Regresión’, de Alejandro Amenábar

Sinopsis: Minnesota, 1990. El detective Bruce Kenner (Ethan Hawke) investiga el caso de la joven Angela (Emma Watson), que acusa a su padre, John Gray (David Dencik), de cometer un crimen inconfesable. Cuando John, de forma inesperada y sin recordar lo sucedido, admite su culpa, el reconocido psicólogo Dr. Raines (David Thewlis) se incorpora al caso para ayudarle a revivir sus recuerdos reprimidos. Lo que descubren desenmascara una siniestra conspiración.

Siempre nos ha hecho esperar Alejandro Amenabar. Para ver su ultimo largometraje hay que remontarse a 2009, cuando estrenó Agora y nos llevó al siglo IV de la mano de Rachel Weisz, pero no va haber que esperar mucho más para su nuevo film. El mes que viene llega ‘Regresion’, un thriller de intriga protagonizado por Ethan Hawke y Emma Watson que promete dejarnos clavado a la butaca y que esperemos suponga un regreso por todo lo alto del director hispano-chileno.

Los asistentes al Festival de San Sebastian podrán disfrutarla antes, pero nosotros tendremos que esperar al 2 de octubre.

3. ‘Marte’, de Ridley Scott

Sinopsis: Durante una misión tripulada a Marte, el astronauta Mark Watney es dado por muerto tras una feroz tormenta y es abandonado por su tripulación. Pero Watney ha sobrevivido y se encuentra atrapado y solo en el planeta hostil. Con suministros escasos, deberá recurrir a su ingenio y a su instinto de supervivencia para encontrar la manera de comunicar a la Tierra que él está vivo.

Vale, es cierto que Ridley Scott no está en su mejor momento y que después de encadenar una racha de productos más bien de dudosa calidad (aunque Prometheus no me parece para nada mala), se antoja difícil predecir si el director de Alien podrá redimirse y explotar todo su demostrado talento. La oportunidad no podría ser mejor para ello: basada en un best-seller, con un guion de Drew Goddard y un reparto de actores de lo más atractivo encabezado por Matt Damon. Veremos si Scott nos puede entregar algo más que simplemente un film correcto o sigue la linea de los últimos años.

Las respuestas a estas incógnitas, el 16 de octubre.

2. ‘Sicario’, de Denis Villeneuve

Sinopsis: En la zona fronteriza que se extiende entre Estados Unidos y México, una joven e idealista agente del FBI es reclutada por un oficial de una fuerza de élite del Gobierno para ayudar en la creciente guerra contra el narcotráfico. Liderados por un asesor enigmático y de turbio pasado, el equipo se embarca en un viaje clandestino que obliga a la mujer a cuestionarse todo en lo que cree con el fin de sobrevivir.

El canadiense es sin duda uno de los descubrimientos más interesantes de los últimos años. No fue su primer largometraje pero desde que la aclamada Incendies saltara a la pantalla en 2010, Villeneuve nos ha dejado dos trabajos fantásticos como Enemy y Prisioneros. En esta ocasión, vuelve con un thriller sobre el tan explotado narcotráfico y las expectativas de Sicario vienen dadas por el notable trabajo de su director, que promete volver a absorbernos con su innata capacidad para atrapar al espectador.

Protagonizada por Benicio del Toro, Josh Brolin y Emily Blunt, el 13 de noviembre comprobaremos si el canadiense consigue mantener el ritmo.

1. ‘Macbeth’, de Justin Kurzel

Sinopsis: Basada en la obra de William Shakespeare, Macbeth, el duque de Escocia, recibe la profecía de tres brujas que dice que se convertirá en Rey de Escocia. Consumido por la ambición y las órdenes de su esposa, Macbeth matará a su rey para hacerse él mismo con el trono.

Ha sido una de las cintas más aclamadas del Festival de Cannes y no ha dejado indiferente a nadie. La adaptación de la famosa obra de Shakespeare ha sido todo un éxito entre la crítica especializada, que basa sus fortalezas en un respeto proverbial de la esencia del material original, una brillante puesta en escena y unas actuaciones impresionantes, destacando especialmente al Macbeth de Michael Fassbender. Esperemos que finalmente las expectativas se cumplan y no se tornen estos elogios en decepción.

Si el trailer pinta bien, esto no hace más que dejarnos con una ganas renovadas hasta su estreno, el 25 de diciembre.

Bonus Track | ‘The Final Girls’

Sinopsis: Un grupo de amigos son absorbidos por una pantalla de cine para encontrarse en medio de un slasher ochentero en el que se convertirán en las víctimas del psycho-killer de la película.

Lo admitimos: estamos haciendo trampa. The Final Girls rompe con todas nuestras reglas, ya que no tiene fecha en España y ni siquiera se sabe si se va a estrenar en nuestro país, pero esta desconocida cinta que saltara a las pantallas en Estados Unidos el 10 de octubre, ha sido toda una sorpresa en los festivales por donde ha pasado. Dado que el desconocimiento de ella es bastante grande (algo lógico), hemos decidida incluirla. ¿Por qué? Pues porque lo que se puede leer por Internet, tiene todas las condiciones y la calidad necesaria para convertirse en una película de culto. Partiendo de las ideas básicas de ‘Scream’ (que tiene su último exponente en ‘La Cabaña en el Bosque’), el director Todd Strauss-Schulson parodia de forma literal a las películas de terror, en una mezcla de comedia y terror, que repetimos, parece que ha cuajado francamente bien en quienes han podido visionarla.

Es probable que no la veamos este año, pero es sin duda un film para tener en el punto de mira.

Crítica ‘Crazy, Stupid, Love’: Agradable y simpática comedia

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Tras haber creado su ópera prima ‘Phillip Morris, ¡te quiero!’, Glenn Ficarra y John Requa, quienes se conocieron en el mismo instituto de cine y que este año han saltado a la actualidad por su ‘Focus’, siguen ahondando en la comedia y esta vez haciéndolo en la variante mas común que no es otro que el de la comedia romántica. ‘Crazy, Stupid, Love’ puede parecer una película del género más, y en esencia podríamos decir que lo es, pero dejarla pasar sin más por su condición tan usual sería un tremendo error porque el nuevo film de estos directores es uno de los más estimulantes del 2011.

La historia empieza con Cal Weaver (Steve Carell), un hombre de cuarenta años, con unos hijos estupendos y una vida de lo más tranquila. Pero todo se viene abajo cuando su mujer (Julianne Moore) le confiesa que se ha acostado con otra persona y le pide el divorcio después de 25 años de matrimonio.

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‘Crazy Stupid Love’ tiene prácticamente la misma premisa que el 70% de las producciones que salen cada año sobre el género, con algunas variaciones por aquí y otras por allá, pero básicamente lo mismo. Y es por eso que hay que recalcar que no estamos ante “otra más” porque detrás de su aparente ligereza, la cinta tiene un corazón tan grande como la vida misma y es impulsada a otros niveles por sus honestas pretensiones. Ficarra y Requa no reinventan nada pero cogen los tópicos y los distribuyen con acierto, creando una historia de relaciones cruzadas francamente bien construida, con algún chispazo de ingenio y con los pies en el suelo. Lo mejor que se puede decir de ‘Loco y estúpido amor’ es que por fin tenemos una comedia que se toma en serio el tema y no se aprovecha del sentimiento más humano para crear situaciones delirantes, sino que lo enaltece y lo glorifica, otorgando el protagonismo absoluto (y convirtiéndolo en hilo conductor) al amor.

Sin duda alguna, uno de los mejores aspectos y donde mejores resultados consigue el film, es el de examinar las relaciones amorosas en diferentes edades. Porque la cinta explora, analiza y representa de forma tremendamente acertada la relación de una pareja a los 40, a los 30 y en la infancia-adolescencia, dando lugar a un magnifico retrato donde las consecuencias, las inquietudes y los sentimientos de cada uno de los personajes toman el control y se apoderan de sus decisiones. La inocencia del niño, las aspiraciones mayores del adolescente, las intenciones sexuales de la entrada a la adultez y la necesidad de mantener y reinventarse para que siga fluyendo el amor en una relación matrimonial están trasladadas a la pantalla de manera excepcional, con una mirada fiel, íntima y realista de las situaciones que captan perfectamente los directores. Aquí los personajes son el centro y eje del film, distintos relatos bien ensamblados que al final terminan unificándose en uno solo, en una historia bien hilada, construida y con sentido del ritmo.

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Y es que por sobre todas las cosas, estamos ante un film simpático, agradable y ligero de ver. No es una película de grandes carcajadas, que las tiene, es una película que te mantiene durante todo su metraje con una sonrisa en la boca, con una narración ágil y una alegría y naturalidad que te desborda y no puedes hacer más que contagiarte de su milagrosa jovialidad. Es divertida en su humildad, en sus honestas pretensiones y en su tono colorido y sutil, que se quedará en tu memoria por el buen sabor que deja una vez terminado el visionado. Y gran parte de su poder reside en unos personajes fantásticamente definidos y en su carismática presencia, que logran conectar con el espectador y tocar la fibra sensible. Es precisamente ahí donde esta totalmente justificado su atractivo y sólido reparto, desde un Steve Carell y Juliane Moore, que forman una pareja realmente creíble, pasando por la estupenda Emma Stone y Ryan Gosling, que conectan y forman una química francamente sorprendente, hasta Analeigh Tipton y Jonah Bobo, quienes representan perfectamente los ideales amorosos de la adolescencia y la infancia, respectivamente. Además a ellos se les une algunos nombres como Kevin Bacon, Marisa Tomei y Carrol Lynch que cumplen con solvencia en sus papeles secundarios y aportan unas bienvenidas variantes al relato que detonan las situaciones más cómicas de la película. Es todo un reparto coral que se divierte y muestran química entre todos sus integrantes.

Ademas, el film hace algunas interesantes reflexiones sobre la persona en sí: el ser uno mismo, encontrar al alma gemela a través de nuestro propio “yo” e incluso un ligero retrato de la sociedad actual a través de la conducta de las personas, en una búsqueda desesperada de encontrar placer en el físico y no en el alma. Son cuestiones ya muy trilladas pero que no por ello deja de estar bien integrada en el conjunto, proporcionándole empaque a la obra y algo más de profundidad. La dirección es más que correcta, la fotografía es buena y el estilo visual va acorde con el tono del relato en una mezcla de sencillez y viveza. Una línea que también sigue la banda sonora, cumpliendo sobradamente dentro los parámetros necesarios.

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En definitiva, nos encontramos ante un film francamente entretenido y sencillo. ‘Crazy, Stupid, Love’ es un canto al amor, una ligera y agradable comedia con buenas interpretaciones y una historia que, a través de sus personajes, construyen un bonito retrato sobre las relaciones en las diferentes edades. Es honesta en sus pretensiones, humilde en su composición y divertida en su conjunto. Glenn Ficarra y John Requa realizan su mejor trabajo hasta la fecha, un film que dentro de su atractivo envoltorio esconde un pequeño corazón que late con fuerza. No es un producto redondo, pero sí muy recomendable.

Crítica ‘Fast and Furious 7’: Mucha furia y pocas nueces

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Después de 6 entregas lo que uno puede pensar de la saga Fast & Furious es lo bien que ha sabido evolucionar para sobrevivir, pasando de las carreras callejeras a las persecuciones y robos de bancos, hasta esta séptima entrega que abraza la acción mas palomitera. Después de dirigir la sexta película de la franquicia, Justin Lin dejó su trono a un lado y James Wan ha sido el elegido para traernos este ‘Fast and Furious 7’, que contra todo pronóstico (o no) es probablemente el más decepcionante de los últimos años de esta veterana saga.

Un año más tarde de detener al criminal Owen Shaw en Londres, Dom, Brian y compañía han decidido alejarse de las carreras y las balas para tener una vida más tranquila y dedicarse por completo a sus familias. Pero todo volverá a trastocarse cuando el hermano de su anterior enemigo, Deckard Shaw, buscará venganza para saldar la cuenta pendiente de su familia.

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Evolucionar no es malo. Nunca es perjudicial renovar las claves de una franquicia desgastada para volver a levantarla de sus cenizas y traernos nuevas experiencias, siempre y cuando se haga bien y con respeto al material original. Aplaudida por la crítica y el público, ‘A todo gas 7’ venía con el sobrenombre bajo el brazo de ser la mejor de la franquicia, una franquicia irregular pero siempre con el entretenimiento por bandera, algo que en mayor o menor medida siempre ha conseguido. Pero lo cierto es que este nuevo capitulo no es ni de lejos el mejor (honor que todavía recae en la estupenda ‘Fast Five’), y ese cambio que ya se veía venir con su predecesora no termina por sentarle bien. O quizás sí, viendo el buen recibimiento. A todos nos gusta la acción desenfrenada, las piruetas imposibles y las explosiones por doquier, pero siempre dentro de un contexto que sea mínimamente coherente y una trama que de pie a todas estas cosas. En resumen, dentro de un límite y por desgracia esta vez ese límite ha sido sobrepasado y la tontería y la inverosimilitud han tomado el control de la saga.

‘Furious 7’ es todo un carrusel de escenas imposibles, inverosímiles y de personas que caen y se hacen daño o no en función de lo que el guion exija. Los coches han sido desterrados a un lugar secundario, y en vez de utilizarlos para dar lugar a situaciones frenéticas y persecuciones, son utilizados para crear momentos donde las armas y los enfrentamientos tengan su culmen después de un montón de tonterías y situaciones que pasan porque sí. No hay atisbos de lógica en este estruendoso y ruidoso espectáculo, y ni siquiera los diálogos mantienen el tipo. Es cierto que la franquicia nunca se ha caracterizado por su profundidad ni por conversaciones ingeniosas, pero siempre mantenían el tipo para producciones como esta, pero aquí abundan líneas de patetismo y de ridiculez, que te hace pensar cuantos años tiene el que ha escrito el guion.

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Y esa involución que se observa en los diálogos también se traslada a la trama. Volvemos a partir de la base que ninguna de las historias y argumentos de la saga han sido de Oscar, pero una vez más esta séptima entrega vuelve a superarse. Porque a pesar de la sencillez de la que siempre ha hecho gala la franquicia, siempre se ha desarrollado de forma medianamente ágil y siendo directa en sus objetivos. Aquí asistimos a una historia que empieza fuerte, teniendo unos primeros 25-30 minutos que hacen tener buenos presagios, pero es en el momento en el que aparece el personaje de Kurt Russell y toda la subtrama detrás de él, cuando la cosa se desmorona. Porque no hay que ser un lince para darse cuenta que el único propósito de todo esto es una mera excusa para más acción, más peleas y más balas que no aporta nada y que lo único que provoca es dejar de lado a un villano que pintaba tremendamente bien gracias a un impecable y carismático Jason Statham, desaprovechando totalmente su potencial en detrimento de otra historia que no interesa a nadie. Eso sin tener en cuenta también lo desaprovechado que queda el personaje de Dwayne Johnson.

Ahora diréis, ¿por qué buscarle tantos pies al gato cuando el objetivo aquí es el entretenimiento y la diversión? Bien, aceptamos que nos creemos las locuras y nos tragamos las perlas que sueltan los protagonistas cada dos por tres y nos centramos en lo que hay que centrarse. ¿Es entretenida? A medias. La mayoría de escenas cuerpo a cuerpo cumplen francamente bien, y hay alguna que otra secuencia sobre ruedas realmente lograda, pero las escenas son tan extensas que en la mayoría de sus tramos nos encontramos con acción rutinaria y mil veces vistas (y peor hecha) que provoca altibajos en todo su metraje. No hay nada novedoso ni lo suficientemente arriesgado para que la adrenalina nos domine. Antes de llegar al clímax, lo único que uno esta pidiendo es que se acabe ya la pólvora y podamos tomarnos un respiro entre tanto ruido de motores y armamento.

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Aún con todo lo dicho, ‘Furious 7’ no es un total desastre y contiene algunas cosas rescatables. La primera media hora esta muy bien llevada y el final-homenaje a Paul Walker es sin duda emotivo y uno de los mejores momentos el film; además, la escena de Abu Dabi es de las más conseguidas. El humor sigue el estilo de siempre, recayendo en el personaje de Tyrese Gibson y funcionando con eficacia. La dirección de James Wan es buena y en lineas generales la banda sonora cumple. ¿Se puede disfrutar (medianamente) del séptimo capítulo de la franquicia? Sí, siempre y cuando desconectemos el cerebro, olvidemos sus predecesoras y nos dejemos llevar como cuando nos hemos tomado alguna copa de más. Si la cinta se titulara ‘Los Vengadores callejeros’ y fuera una nueva saga en tono autoparódico de las dos franquicias, sin duda el film cumpliría con su objetivo, pero por desgracia ni es el inicio de una franquicia nueva, ni se toma a risa a sí misma. Para muchos quizás su propuesta sea suficiente, pero habiendo visto ya tantas películas que buscan lo mismo y consiguiéndolo con mejores resultados (y ya no hay que mirar a otras sagas, sino dentro de la misma), ¿de verdad no nos merecemos algo mejor?

La franquicia ha perdido el control y James Wan nos entrega el capítulo mas estúpido, inverosímil y potencialmente desaprovechado de la franquicia. ‘Fast and Furious 7’ es un entretenimiento con mucha furia y pocas neuronas, que puedes disfrutar siempre y cuando aceptes sus normas y apagues durante más de dos horas el cerebro. Es probable que los fans salgan satisfechos, que aquí un servidor sea muy rebuscado y que no haya que pedirle peras al olmo, pero esta nueva entrega rompe con los límites de lo absurdo y lo imposible. ¿Impresionante? A veces, pero sin un trasfondo aceptable todo este derroche de espectáculo carece de sentido.

Crítica ‘Expediente Warren: El Conjuro’: Eficaz y notable film

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Hablar de James Wan es hablar de ‘Saw’, es hablar de ‘Insidious’ y es hablar, desde hace dos años, de ‘Expediente Warren’. Porque el producto que el director malayo realizó en 2013 supuso el salto más grande que ha dado en toda su carrera y, aunque no es ni por asomo la obra maestra que muchos van pregonando, sí que nos encontramos con uno de los films mejor realizados en mucho tiempo en el cine de terror. No reinventa, pero sí actualiza y exprime los tópicos en un buen producto para pasarlas canutas durante sus dos horas.

‘El Conjuro’ narra los sucesos paranormales que la familia Perron vivió en su casa en los años 70. El matrimonio Warren, expertos en estos casos, acuden a la llamada desesperada de la familia para desentrañar los misterios de la vivienda y poner fin a dichos fenómenos.

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De todos es sabido que el género de terror lleva muchos años de capa caída. Innumerables mediocridades pasan año tras año convocando a los espectadores como el film definitivo o como uno de los nuevos sub-géneros que harán las delicias de los fans más masoquistas, y en el 80% de los casos ninguno cumple con lo prometido. Pero sí hay que recalcar que a pesar de todo, de vez en cuando sale alguna propuesta decente que se sitúa por encima de la media, un film que se pueda ver y te haga pasar un “buen” rato delante de la pantalla. Y si un año antes esa honor recaía sobre la sorpresiva ‘Sinister’ (2012), está claro que la sorpresa del 2013 es ‘Expediente Warren’. Y no porque sea original, ni invente nuevas formas, ni haya algo que sea medianamente revolucionario, ya que el film es de lo más típico que puedas encontrar. No, básicamente el éxito de la cinta se deben a los altos valores de producción, que James Wan sabe utilizar y que con un hábil manejo de las situaciones y de la cámara, nos ofrece una de los relatos mas sólidos y eficientes en mucho tiempo.

‘El Conjuro’ es, desde su concepción hasta su realización, un batiburrillo de los trucos más usados por el género a lo largo de todos sus años, con la diferencia de que esta vez son usados y administrados de una forma tremendamente eficaz. Casas encantadas, espíritus, exorcismos, ruidos, sustos inesperados… todo estos elementos se encuentran en un guion que nunca se atreve a dar un giro de tuerca ni ser innovador, pero que los combina fantásticamente en una historia (basada en hechos reales) que está bien planteada, desarrollada y ejecutada. Y es que gran parte de culpa de este buen hacer es de James Wan, quien sabe crear tensión a través de las imágenes y los planos de cámara y controlando bien el ritmo de cada una de las situaciones, aunque sobre todo después del primer tercio de película. Porque lo cierto es que al film le cuesta un poco arrancar, intercalando escenas fantásticamente logradas (el plano inicial y el juego del escondite ponen los pelos de punta) con otras algo floja y que no se encuentran a la altura; pero una vez entrado en materia y con algunas de sus cartas boca arriba, el ritmo avanza y no se detiene hasta el término del metraje.

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No es un film perfecto ni mucho menos, ya que algunos de estos altibajos la alejan de la brillantez que podrían haber conseguido, y eso añadido una atmósfera que es correcta, pero que también podría haber dado mucho mas de sí (y que se queda en uno de los aspectos más mejorables), la dejan un poco por debajo de la excelencia. La narración está bien hilada, y la historia no tiene reparos en tomarse su tiempo para exponer sus hechos y cuidar sus argumentos, aspecto que no siempre está presente en este tipo de propuesta y que a veces buscan la vía rápida para llegar a los asuntos mas terroríficos, cosa que por suerte no pasa aquí. Es verdad que desde un primer momento Wan intenta provocar los escalofríos en el público, pero todo está justificado dentro de la historia y no se siente forzado ni ridículo, algo que ayuda a que el film tenga ritmo y vaya con fluidez.

En cuanto a los personajes, hay tanto luces como sombras, o más bien deberíamos referirnos a las actuaciones. Por un lado tenemos a una espléndida Vera Farmiga, que es claramente quien se roba las escenas cada vez que aparece, y a un buen acompañante como Patrick Wilson, quien se está convirtiendo en uno de los actores fetiches del director, pero el resto del reparto navega en la mayor de las irregularidades. Lili Taylor está en general correcta al igual que Mackenzie Foy, pero Ron Livingston no termina de convencer así como Joey King, quien es sin duda la que peor parada sale de la cinta. A ellos se le suma algunos nombres más, pero la mayoría se queda totalmente en la intrascendencia y realmente no aportan nada más a la trama que relleno de figuras. Es un reparto que en líneas generales es más que aceptable, con algún punto bajo pero que mantiene las formas, algo que ayuda un guion que trata bien a sus personajes y que muestra una agradable evolución en la mayoría de ellos. La fotografía es bastante buena y la banda sonora cumple su cometido, teniendo algún momento magníficamente conseguido, aunque en conjunto se queda en la trivialidad.

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Ahora bien, ‘Expediente Warren’ juega con un arma de doble filo para el espectador: está estupendamente hecha, hay una más que notable dirección detrás de todo y tenemos unos personajes más que aceptables, pero precisamente es en su sólida base donde puede encontrar su perdición. Porque sus situaciones tan típicas y tan poca revolucionarias, aunque claramente efectivas, puede no provocar el efecto deseado sobre el que observa la pantalla, sobre todo a aquellos fans que devoran sustos sin parar. No hay atisbos de salirse nunca de las mecánicas más básicas y es por ello que para muchos puede resultar un más de lo mismo, muy bien realizado, sí, pero en esencia igual a todo lo visto anteriormente y terminar convirtiendose en un producto anodino.

Aún así y con todo ello, es un film que se merece la oportunidad de ser visionado. ‘The Conjuring’ reúne las virtudes necesarias para ser un producto más que recomendable, una cinta notable que combina todos los tópicos y los traslada a la pantalla de manera eficaz y con solvencia, que funciona mejor como homenaje que como entidad propia. James Wan realiza aquí uno de sus mejores trabajos, una competente y entretenida película de terror, que consigue destacar como un buen producto entre tantas mediocridades.

Crítica ‘The Matrix’: Obra maestra del cine de acción

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10,3 millones de dolares fue el presupuesto que Warner Bros aportó para que ‘The Matrix’ se convirtiera en realidad. Los hermanos Wachowski, conscientes de que con eso no tenían casi ni para empezar, echaron el resto y realizaron la primera escena de la película: una Trinity embutida en cuero escapando a través de los edificios. ¿El resultado? Cheque en blanco por parte del estudio y para adelante. Así comenzó la producción de uno de los mayores films de acción y ciencia ficción que nos ha deparado el cine, y sin duda, el más influyente en el siglo XXI.

Contar a estas alturas de qué trata Matrix debería ser una tomadura de pelo, pero si todavía queda algún rezagado que no la ha visto, con mas razón para no contar de qué va. ‘The Matrix’ es uno de esos milagros que pocas veces se dan en el cine: una fascinante historia apoyada en un guion excelente, un ritmo sublime, una puesta en escena brillante, una banda sonora a la altura y unos directores que innovan y lo hacen de manera primorosa. Toda una combinación de elementos mezclado en las cantidades exactas, una virguería del cine de acción que más de 15 años después mantiene su legado de manera intachable. Porque los hermanos Wachowski pueden que hayan tenido una carrera de lo más irregular, pero el hecho de que hayan creado una cinta como la que nos ocupa, les da todo el crédito del mundo.

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Gran parte del éxito de esta película de culto es gracias a su increíble historia aupada por un guion todavía mejor y una espectaculares escenas de acción que revolucionaron el género hasta nuestros días. Y aún viéndola por enésima vez en la actualidad, la cinta todavía mantiene todos sus aciertos que la elevaron al olimpo del cine. La combinación de filosofía con un mundo apocalíptico, una guerra entre hombres y maquinas, profecías, electrónica informática y toda la imaginería visual que destila cada uno de los planos e imágenes capturados por los dos hermanos, funcionan igual de bien como el primer día e incluso mejor. Porque Matrix es un film que con cada visionado descubres algo nuevo, un pequeño detalle, un diálogo que te había parecido insignificante y que de repente cobra sentido, una referencia que has pasado por alto,… y gracias a ello hace que revisionar la experiencia sea tan gratificante, mas allá del espectáculo que ofrece con sus impresionantes escenas de acción. Puede parecer que la filosofía integrada en el guion les pueda parecer a muchos simple verborrea para que todo tenga un aspecto mas “cool”, pero nada más lejos de la realidad, ya que para explicar el gran enigma de la película (¿qué es Matrix?) la filosofía es tan necesaria como ilustrativa.

Si bien el concepto y la idea que hay detrás de todo es magnífica, hay que recalcar que lo mejor es claramente el guion. Porque una vez descubierto y analizado el trasfondo del film, uno se da cuenta de que al fin y al cabo lo que es el eje tanto de este primer capitulo como de la trilogía, el hombre contra la maquina, no es demasiado original, pero es el guion (y por supuesto su mundo) lo que hace de Matrix algo tan especial. Unos diálogos tan fascinantes como engañosos, un camuflaje para taparnos la realidad ante nuestros ojos, una realidad tan sencilla de explicar como compleja en su explicación; y una estructura fantásticamente construida, de subidas y bajadas, para mostrar y dar tiempo a procesar. Es sin duda una construcción brillante, con unos personajes totalmente definidos y carismáticos, con evolución y un halo de misterio increíblemente estimulante, que supieron trasladar perfectamente a la gran pantalla en un montaje y una dirección sublimes.

El estilo visual del film fue todo un acierto, con una estética underground mezclada con toques de cyberpunk que dejó encandilados a millones de personas, que acompañaba perfectamente a los grandes momentos de la cinta, unas maravillosas escenas de acción que nunca antes se habían visto. El llamado “tiempo bala” fue todo un logro tanto para la película como para el cine, una técnica que se ha repetido mil y una veces a lo largo de todos estos años y que en cualquier película del género que se precie, es utilizada en sus momentos claves. Esta técnica, sumada a una impresionantes coreografías de artes marciales y también de intensos tiroteos, hicieron de Matrix toda una experiencia puntera y referente en el género de acción, y que todavía hoy no ha sido superada aún.

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A ello hay que sumarle un reparto estelar. Un Keanu Reeves que sin ser un gran actor, le viene como anillo al dedo su personaje de Neo; un Lawrence Fishburne que aporta un misticismo y un liderazgo a su Morfeo inigualable; un Hugo Weaving que interpreta a uno de los grandes villanos que nos ha deparado el género, el agente Smith; y una Carrie-Anne Moss que se convierte también en heroína y en una mujer de armas tomar (literalmente) con su fantástica Trinity. Ademas de un conjunto de secundarios que dan la talla sobradamente como Joe Pantoliano, Gloria Foster o Marcus Chong, entre otros.

‘The Matrix’ es sin duda la película de culto por excelencia de los amantes al cine de acción. Una calificación totalmente merecida gracias a un guion brillante, unas escenas de acción atemporales y un historia tan irresistible como visualmente apabullante. Una cinta referente en el cine, que quince años mas tarde sigue deslumbrando y dejándonos nuevos detalles, y que ha sido imitada hasta la saciedad. Una obra maestra que marcó un antes y un después. Una joya irrepetible.